Après Haut et Fort dédié au hip-hop, Nabil Ayouch nous plonge dans l’univers de la Aïta, à travers le personnage de Touda, une mère célibataire qui se produit tous les soirs dans les bars de sa petite ville de province. Cet art populaire, souvent marginalisé (et en voie de disparition) a toujours suscité l’admiration autant que le mépris. Peut-être parce qu’on envie la liberté de ton qui fait des chikhates des féministes avant l’heure. Ou parce qu’on pointe la légèreté (supposée) de leurs mœurs… Dans Everybody loves Touda, Nabil Ayouch rend hommage à ces poétesses mail aimées. Entretien. 

Après le hip-hop, la Aïta ? 

On peut dire ça comme ça, oui (rires). Au-delà de la Aïta, c’est avant tout une rencontre avec des femmes qui hantent mes films depuis de nombreuses années déjà, depuis Les Chevaux de Dieu… Et aussi des discussions que j’ai eues par la suite avec d’autres chikhates pour préparer ce film. À chaque fois, il y avait cette conviction forte du rôle fondamental joué par ces femmes au sein de la société marocaine. 

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Des femmes autant adulées que méprisées… 

Oui, il y a une certaine ambivalence à ce sujet. Ce sont de véritables artistes qui sont à la fois porteuses d’un très bel héritage, une poésie chantée qu’est la Aïta et en même temps on sent qu’à partir du milieu du 20e siècle, leur image a changé auprès de la population. Dès lors qu’elles ont dû faire des compromis en allant en ville pour chanter dans les cabarets et dans les mariages. Le conservatisme aidant, évidemment… C’est cette ambivalence, ce paradoxe, ce statut d’héroïnes mal aimées finalement qui m’ont intéressé et que j’avais envie de traiter dans ce film. 

Selon vous, pourquoi on ne les aime pas ? 

Le rapport entre les chikhates et la société est très ambigu. Elles sont capables de réveiller chez le public, hommes et femmes confondus, des émotions absolument phénoménales. La puissance de leurs chants transcende toutes celles et ceux qui les écoutent. Je pense que le fait même de se laisser aller et porter par ces chants, c’est quelque chose qu’on refuse. Et ces femmes sont l’incarnation de cette transformation de l’individu qui s’opère à travers le chant et le rythme dès qu’elles s’emparent du micro. Je pense aussi que ce pouvoir qu’elles ont notamment vis-à-vis des hommes est quelque chose qui dérange profondément … 

De plus, être capable de mettre de l’ambiance dans différents endroits, y compris des lieux où y a de l’alcool et de l’argent, suffit à les cornériser et à les réduire à autre chose. Ce sont ces stéréotypes là que je dénonce dans ce film. Il faut vraiment se rappeler qui elles étaient et qui elles sont encore aujourd’hui.

Le film raconte donc l’histoire de Touda qui quitte son village pour devenir chikha.

Oui, c’est l’histoire d’une femme en quête d’émancipation… Elle vit dans son petit bled et elle a des rêves. Depuis qu’elle est gamine, elle s’entraîne aux rythmes et à la taârija pour devenir chikha. Elle connaît toutes les aïoutes par cœur. Elle porte ce rêve en elle comme un désir d’élévation sociale à travers son art. Elle veut être considérée avant tout comme une artiste. Elle a un petit garçon qui est malentendant et à qui elle veut offrir un avenir meilleur, à travers l’éducation. Elle va donc se servir de la seule arme qu’elle a : le chant. Et elle sait que pour y arriver, elle doit quitter son village et partir vers la ville des lumières, Casablanca. 

Nisrine Erradi qui joue Touda, chante et danse dans le film. Comment s’est-elle préparée pour incarner son personnage ? 

Nisrine a travaillé comme une acharnée pendant un an et demi avant le tournage. Elle était coachée par des chikhates, dont Khadija El Bidaouia qui est morte pendant la préparation, et Siham Mesfiouia, une jeune chikha “puriste” et qui est l’une des rares de sa génération à être porteuse de la tradition de la Aïta.

Elle s’est donc formée au chant, au rythme, à la taârija… Elle s’est entraînée à bouger comme elles, à parler comme elles. Elle a fait un travail absolument phénoménal pour être crédible dans le rôle de Touda.

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Votre film a été sélectionné dans la catégorie « Cannes Première », une première pour un réalisateur marocain… 

Oui, mais il n’est pas en compétition. « Cannes Première » c’est un peu le prestige de la sélection officielle cannoise où l’on retrouve des auteurs confirmés comme Léos Carax, Emmanuel Courcol.

Vos films sont parfois clivants et font souvent débat, même en dehors du Maroc… À chaque fois, vos personnages sont des marginalisés du système : prostitués homosexuels, jeunes des quartiers défavorisés… Est-ce que vous trouvez qu’il est plus facile de faire ces films engagés en 2024 au Maroc qu’il y a 10 ans ? 

Oui et non. Je pense que le Maroc a évolué sous pas mal d’aspects et en même temps, il y a des conservatismes qui sont encore très présents. Peut-être plus présents qu’il y a dix ans mais sous d’autres formes qui viennent souvent plus du public d’ailleurs. La preuve avec la réforme en cours de la Moudawana qui a suscité des réactions fortes dans les camps conservateurs. Dès qu’on veut toucher au statut de la femme, à la polygamie, à l’héritage ou encore au mariage des mineurs, il y a une levée de boucliers terrible.

Les choses changent, c’est certain, mais il y a des réflexes conservateurs qui sont encore bien là. Et en même temps, il y a cette jeunesse marocaine extrêmement vivante, qui s’exprime sous toutes les formes possibles, que ce soit à travers le cinéma, les arts de la rue, la chanson, la danse… La société est en mouvement. Et quelque part, ces deux aspects de la société sont au cœur du débat public. D’un côté, il y a cette envie de s’ouvrir et d’aller vers la modernité, et d’un autre côté il y a une catégorie de la population qui est réfractaire au changement. On vit dans une société un peu paradoxale, schizophrène sur certains sujets. 

Photo (c) : Nabil Ayouch

Cannes, le 27 mai 2022. Il est 15 heures, nous avons rendez-vous avec Maryam Touzani au lendemain de la projection de son film, Le Bleu du Caftan. La réalisatrice arrive. Elle ne le sait pas encore, mais il va remporter, quelques heures plus tard, le Prix de la critique du Festival de Cannes, attribué par la Fédération internationale de la presse cinématographique (FIPRESCI). Elle est fatiguée. Elle n’a pas eu le temps de souffler. Elle enchaîne les interviews, les rencontres et les rendez-vous. Elle est fatiguée, mais heureuse.  On la sent encore très émue. Il y a encore sur son visage ce sourire de gratitude qu’elle avait la veille à  la fin de la projection. “Quand la lumière est revenue, nous confie-t-elle, j’étais très reconnaissante. Le film venait de rencontrer son public”. Et la rencontre fut belle : 10 minutes de standing ovation, des larmes qui coulaient sur la plupart des joues, une émotion palpable dans ce Palais des Festivals. Le Bleu du Caftan, c’est le deuxième long métrage de la réalisatrice, et sa deuxième sélection cannoise dans la section Un certain regard. Et ce n’est pas un hasard. Maryam Touzani trace sa route avec intelligence, détermination, et une sacrée dose de sensibilité. 

Adam, son premier long métrage, racontait l’histoire de Samia. Enceinte de neuf mois, elle a dû fuir son village et  se retrouve à frapper à la porte d’Abla, une veuve à la vie austère qui commence par la chasser avant de se résoudre à l’accueillir. Dans Le Bleu du Caftan, elle raconte un couple hors norme, un couple qui s’aime follement : Halim et Mina. Ils sont mariés, mais ils portent un secret. Halim est homosexuel. Il est réduit à vivre ses désirs dans l’obscurité d’un hammam derrière des portes closes.

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En plein coeur

On pourrait dire de Maryam Touzani qu’elle est une réalisatrice engagée, qu’elle est militante, qu’elle choisit des sujets sociétaux. Ce n’est pas faux. Mais ce serait tellement réducteur. Militante ? La réalisatrice l’est assurément. Mais elle l’est de la plus subtile des manières. De la plus douce aussi.  Elle ne brandit aucun étendard. Elle nous bouleverse. Elle ne lève pas le poing. Elle nous émeut. Elle nous touche en plein cœur. Elle filme avec bienveillance ses personnages, assignés au silence. Elle constate que souvent les personnages qui la touchent sont “ceux qu’on n’entend pas, qu’on ne voit pas”, alors elle veut “raconter leurs histoires”. Et c’est ce qu’elle fait, elle raconte des histoires. Elle les fait entendre, les montre, ces repris de justesse, ces fêlés, que la société oblige à se cacher. Et aussi ceux qui les protègent, ceux qui savent faire preuve d’empathie, de bienveillance et de douceur, ces héros anonymes. 

Dans Adam, elle met  ainsi en scène une veuve au visage fermé et au quotidien strict (interprétée par Lubna Azabal) qui se transcende et accepte de recueillir une jeune femme enceinte, future mère célibataire et déjà paria d’une société liberticide.  Maryam Touzani filme donc ce qu’elle appelle “les petites luttes du quotidien”, elle admire la force de ses personnages, c’est cet héroïsme-là qu’elle veut mettre en lumière. 

En montrant le réel, elle reste fidèle à la gamine tangéroise qu’elle a été. Adolescente passionnée de littérature qui sentait que sa vie dans une bulle manquait de contact avec le réel. Elle se plongeait donc dans les livres, pas pour s’évader, mais pour mieux comprendre l’humain. Parce qu’il est là, son seul moteur : Maryam Touzani aime l’humain. Elle aime les êtres. Elle veut les raconter. Et elle le fait avec beaucoup de délicatesse. 

Sa première claque de réalisme ? Le film Ali Zaoua.  À l’époque, elle ne retient même pas le nom du réalisateur… À l’époque, elle est loin d’imaginer que Nabil Ayouch deviendra son amoureux, son partenaire.  À l’époque, elle est frappée par cette prise de conscience qui s’empare d’elle. 

“Ce film est un film d’amour”

Avant que la projection ne commence, Maryam Touzani a prévenu le public : “Ce film est un film d’amour”. Et effectivement, il ne s’agit que de ça, d’amour. 

Halim aime sa femme. Il l’aime profondément, il l’aime tendrement. Et Mina (Lubna Azabal, encore) l’aime tout autant. Alors, par amour, elle va l’accepter, elle va lui permettre d’être heureux. D’être libre. Par amour elle va se dépasser, se transcender. Elle va aller au-delà. Au-delà de ses convictions, de ses peurs et des carcans. Par amour, elle va défaire son couple. Pour mieux le refaire. Elle va réinventer le couple. Elle fait « un cadeau de vie”, comme le dit si justement Maryam Touzani. Elle lui offre la possibilité d’être heureux, d’être lui. Pleinement. Quant à lui, il traitera sa femme en majesté jusqu’au bout, jusqu’au dernier souffle, jusqu’à sa dernière demeure. 

C’est l’histoire assez ordinaire d’un amour hors norme. Et c’est ce qui tient le plus à cœur de la réalisatrice, raconter ces personnes ordinaires qui font des choses incroyables. Ces gens qui n’ont peut-être rien de particulier, mais qui changent la vie. 

Le Bleu du Caftan est enfin un film sur la transmission. Et ici, la transmission se fait dans une chambre sans berceau. Sans filiation. Il s’agit de la transmission des traditions, d’un savoir-faire complexe. La réalisatrice, avec ce film, rend un bel hommage au travail précieux des artisans, gardiens de traditions qui se perdent.  On peut même dire que Le Bleu du Caftan est une allégorie de la disparition de beaucoup de nos savoir-faire, que nous n’avons pas su inventorier et préserver. 

Maryam Touzani avait à cœur de rendre hommage à ces métiers d’art qui sont constitutifs de notre identité nationale et de notre mémoire collective. Car, aussi loin qu’elle se souvienne, elle a été fascinée par un caftan de sa mère. “Enfant, je me suis imaginée femme dans ce caftan. J’imaginais ma mère jeune”. Il n’était pas bleu, mais noir et brodé au fil d’or. Et elle a monté les marches du Festival de Cannes en l’arborant. “Un beau trajet émotionnel” comme elle dit dans un sourire.

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